¿Cuál es el problema real?

Al que me haya leído regularmente, no le será raro escucharme decir "en Francia, Japón o USA se hacen tiradas de miles de ejemplares incluso de los cómics que venden menos y aquí nos damos de hostias por vender 1.000". Es una expresión que uso casi todas las veces que hablo del mundo editorial.

Cada vez que hay una conversación de este calibre, cada vez que se habla de este tema, siempre parece que el sistema esté mal. Especialmente en esto de la autoedición, siempre te encuentras colegas que también intentan abrirse paso con visiones algunas mas algunas menos realistas sobre el asunto. Pero es bastante habitual escuchar como se tilda de "ladrones", "tacaños", "aprovechados" y demás a distribuidoras y editoriales. Normalmente los autores y libreros se libran.

El actual sistema es el siguiente en casi todos los casos:

1) Hay una obra que se quiere editar

2) El editor paga a la imprenta por la impresión de la obra (es el pago más caro, después de esto va lo que el editor quiera/pueda gastarse en promoción y demás. Si es una editorial ya en pleno funcionamiento sumamos los pagos mensuales a empleados, luz, agua, gas, alquiler etc.)

3) La distribuidora la anuncia en su catálogo

4) Las tiendas que quieren compran a la distribuidora ejemplares de la obra (lo de que la obra se distribuye a todas las tiendas es una utopía)

5) La obra se distribuye y la distribuidora cobra a las tiendas

6) Hay que esperar unos meses, porque siempre hay devoluciones de los ejemplares no vendidos, pero de los vendidos, la distribuidora se queda el 55%

7) El 45% restante es para la editorial

8) El autor cobra entre el 8% y el 12% (igual que los escritores de novelas o libros) del precio de portada sin IVA. Esto supone casi un 40% del 100% de la cantidad que se ha llevado el editor que, recordemos, ha pagado la impresión del cómic (El 45% del precio del cómic sin IVA)

Resumiendo: Editor paga, distribuidora vende lo que las tiendas piden (y no devuelven) y de ahí editor cobra y por lo tanto autor cobra.

Así es como es el asunto económicamente hablando. Después está ya el esfuerzo del autor por hacer la obra y el del editor por encontrar el mejor formato posible para conseguir el mejor presupuesto que pueda conseguir y supervisar la producción de la obra y promocionarla.

A última hora todos queremos lo mismo: Que los cómics se vendan. El sistema es el mismo que en los libros. Entonces ¿Que es lo que está mal? El sistema es el que es y es un reparto bastante justo por el trabajo y los gastos de cada uno de los que cobran con el producto (Si: Es un cómic. Es arte. Pero no hay que olvidar que es un producto y tiene que venderse).

Si el lugar de venderse 40 ejemplares, o 478 de un cómic del que imprimes 1.000 ejemplares, se vendieran 30.000 como un cómic poco vendido de una editorial independiente USA, o 50.000 como en un album Francés o 50.000 del primer tomo recopilatorio de un manga (que es una tirada "standart" en Japón, no habría ningún maldito problema porque todos tendríamos nuestra parte del pastel sencillamente porque habría pastel que repartir.

¡Diablos! La novela gráfica no tira muy bien en Italia y aún así se venden unos 2.000 ejemplares de cada título!

Yo hago una reflexión a todo esto. Si os fijáis, aquí en España tenemos novelas gráficas, tenemos tebeos de grapa, tenemos manga y, aunque menos, también cosas editadas en formato álbum. Hablo de producción propia.

Imagino que en todos estos países que hemos hablado habrá de todo. Pero si nos fijamos, Japón basa sus producciones en capítulos semanales editados en revistas de 500-700 páginas y luego aparecen tomos recopilatorios. Francia basa su producción en albumes, incluso de determinados estilos (rechazando cantidades enormes de historias perfectamente válidas, pero ellos sabrán porque. Y realmente les funciona) y USA basa su producción en comics de grapa que, aunque son mensuales, los planes editoriales hacen que sean casi semanales ¿nadie ve a donde quiero ir a parar?

Cada país basa su producción en función del formato y la periodicidad que requieren sus lectores. Dependiendo de los lectores que tienen. En todos los mercados tienen historias de toda clase. En todos los mercados puedes ver historias de Superheroes, de aventuras, de misterio, de acción...Pero cada uno lo hace a su particular manera. Y las historias llegan a un público masivo

Sin embargo, aquí en España, nos dedicamos básicamente a copiar lo de otros mercados. Nuestras producciones van dirigidas a los cuatro gatos que leemos comic. Aclaro que se que hay muchos seguidores de los comics. Pero llena un estadio con los aficionados a los comics y otro con los aficionados a Gran Hermano. A ver cual se llena más rápido.

Mi reflexión es ¿estamos siendo tontos? Es imposible que en este país no haya una tradición lectora. ¡La gente lee! ¿Estamos dirigiendo nuestros esfuerzos a un público minoritario? ¿Nos estamos conformando con sacar una historia de vez en cuando y ganar lo que podamos? ¡Es un maldito trabajo! ¡Y no debería buscarme otro para pagar las facturas cada mes, porque de un trabajo se cobra! Pero, rindiéndonos a la evidencia ¡¿Como vamos a cobrar si no hay lectores?

Eso es. El sistema está bien. El problema reside en que hay un pequeño, ínfimo y lamentable número de lectores. Y ahora me pongo Mourinhista ¿Por que?

¿Cuál es el problema exactamente? ¿Que estamos en un país de gilipollas donde la gente no lee y por lo tanto no compra comic? ¿O que los gilipollas somos nosotros por hacer historias que no gustan al tipo de ciudadano que tenemos en este país? No, no puede ser un tema del género de las historias. Hemos aclarado que en todos los países hay historias de todo tipo.

¿Es la gente en general la que tiene que abrazar la cultura del cómic ganando en inteligencia? ¿O somos nosotros los que les intentamos hacer tragar cosas que no quieren y tenemos que empezar a hacer novelas gráficas de Gran Hermano? ¿O es que nos es imposible abrir mercado contando historias y nos tenemos que conformar con hacer tiras cómicas? ¿Es un problema de temática? ¿Si hago una novela gráfica sobre todos venderá una cantidad decente? ¿Digamos 80.000 ejemplares?

Al sistema que hay seguro que se le pueden hacer arreglos aquí y allá para que fuera mejor. Siempre se puede mejorar. Por ejemplo, se supone que un librero tiene 3 meses desde LA FECHA DE PUBLICACIÓN de un cómic para devolverlo a la distribuidora. Por lo menos en caso de SD Distribuciones (aunque me toca masivamente las pelotas que SD acepte devoluciones de mis comics después de 3 meses por motivos como "vienen en mal estado". ¡Pues no se lo abones y se lo cambias por otro, hostias!¿Así como se yo si un ejemplar está vendido o no? ¡Que no se pasen de listos!). Pues digo yo: En lugar de que la tienda compre (pagando) los ejemplares que quiera de cada cosa ¿Porque no se distribuyen TODOS los ejemplares que el editor haya impreso a TODAS las tiendas de España los pidan o no, sin cobrarle nada a la tienda? Luego, pasados 3 meses que la tienda devuelva los que le sobren y PAGUE LOS QUE HA VENDIDO. ¿Como va a comprar la gente un título si no sabe que existe porque no llega a la tienda? Es normal que el librero no pida ejemplares de todo si los tiene que pagar cuando los pide (además al 70% del precio de portada). Es más, incluso el porcentaje de lo que se lleva el librero por título podría variar en función de cuantos ejemplares venda del mismo. Cuantos más venda, más porcentaje se lleva (¿verdad que el papel cuesta más barato cuanto más compras?)

En fin, este es solo un ejemplo de una de las variaciones que se le podrían hacer al sistema, que podría servir para que los comics de las editoriales llegasen más facilmente al público y se pudiera interesar por ellos (y aún así habría que estudiarlo). Aunque igualmente, nos estaríamos repartiendo los mismos lectores de siempre sin ganar más.

Al sistema siempre se le pueden hacer arreglillos, pero el problema básicamente es que la gente (y hablo de público masivo) o no sabe que existimos o no nos quiere por parias ¿tenemos que cambiar el formato de lo que publicamos? ¿Tenemos que incentivar a la gente a leer comic? ¿O tenemos que dibujar aquí y mandar a imprimir los comics en latino america y que se distribuyan allí y al carajo esta gente de España que no nos quiere y que es inculta y no lee porque la máxima prioridad es odiar tu trabajo entre semana para beberte litros de alcohol el fin de semana?

Ahí lo dejo. Y no sigo porque es un tema interminable y de aquí ya pasaríamos a porque las editoriales que ya funcionan no se parten los cuernos en conseguir atraer más gente al mundo del cómic. Si un caso, la semana que viene más.

Un saludo...de Toni Kudo.

Zot, Scott McCloud y el dibujo de un comic (Round 2)

Puede que influenciado por la entrada de la semana pasada en la que hablaba de dibujantes in-fighters (los que saben dibujar "bien de verdad" y hacen dibujos espectaculares) y dibujantes out-fighters (con estilos más personales, a menudo de trazos mas sencillos pero perfectamente válidos y a menudo más interesantes) esta semana he vuelto a leerme los dos tomos de ZOT! de Scott McCloud publicados por Astiberri.

La entrada iba sobre la capacidad para dibujar de los dibujantes y de que no hay que ser un excelente dibujante para ser buen narrador ni para hacer buenos comics aunque los dibujes tu mismo. No se si me di a entender. Puede que diera la sensación de que valoro más a los que dibujan super anatomías típicas de los comics de superheroes y detallan con un gran realismo antes que los que utilizan un estilo más sencillo (que no simple). Nada más lejos de la verdad. Y a mis entradas sobre "una posibilidad entre mil", Scott McCloud, Peter Bagge y Alex Robinson me remito. Publicadas en este mismo blog entre enero y febrero del 2010.

También iba sobre mi capacidad como dibujante (que no como autor) para plasmar en el papel tipos de plano, posiciones, anatomías y todas esas parafernalias artísticas que llevo 10 años intentando dominar y que de momento no hay manera de que esté satisfecho con como me quedan o de que se vean a un nivel "profesional" (esto no significa que para que tus dibujos se vean profesionales tengas que ser como el típico autor yankee ya que puedes ser sencillo y verte profesional al mismo tiempo).

Llegué a la conclusión que si tengo que ser un autor con un estilo más "sencillo" que no haga falta tanta capacidad para llevarlo a cabo como el típico dibujante hot del comic americano, pues que también me parece bien sin que ello sirva como excusa para no mejorar. Yo mencioné, porque fue el primero que se me ocurrió, a Mark Bagley, al cuál no pararon de lloverle palos en los comentarios al pobre (yo sigo sin poder dibujar igual de bien que el, y si no soy capaz de hacer lo que el hace, no soy quien para menospreciarlo). Se mencionó en los comentarios muy acertadamente a Fran Quitely como otro ejemplo de gran autor de comic de superheroes. Estoy de acuerdo con eso y también con que tiene (o al menos muestra o le dejan mostrar) más repertorio que Bagley sin desmerecer a este último.

Y hablando de dibujantes espectaculares y dibujantes de casta más sencilla, llegamos a Zot! La única obra de Scott McCloud que dibujó hace 20 años, mucho antes de ser el entendido (aunque ya era analítico y estudioso) del mundo del cómic que es hoy en día. Y para seguir el mismo redil, vamos a hablar básicamente de su dibujo.

Será porque en este año he mejorado mucho dibujando, o porque me fijo más en las cosas, o lo que sea, pero esta vez al leer Zot he "descifrado" mucho más que otras veces el trazo de Scott McCloud. Ahora es mucho más pulido y comete menos fallos, pero en sus páginas de Zot me ha sido posible ver espacios desaprovechados, figuras desproporcionadas en ocasiones y un difícil dominio de la plumilla. Es más, fijándome en el entintado de las páginas más sencillas (estas que dibujas/entintas casi con el piloto automático puesto en la cabeza, cosa que no pasa con otras en las que quieres contar algo más importante) me he visto identificado a mi mismo y a mi trazo cuando trato de dominar la plumilla.

Aún así, en el dibujo no todo es "dibujo". También hay unas cosas llamadas tipos de planos, ambiente de escena y perspectiva que, aunque no estén tan bien dominados como en sus ejemplos de su libro "Hacer Comics" (mucho más reciente) en Zot tambien representa el punto fuerte del autor en su ilustración.

Además de esto, Zot es un buen cómic. Y es muy entretenido. Y según avanza se va haciendo cada vez más interesante. Se hace especialmente interesante si leemos el relato en texto de Scott McCloud al final de cada capítulo (o conjunto de capítulos). Nos habla de lo que estaba viviendo en ese momento, lo que quiso decir, los problemas que tuvo y lo que significó el cómic en cuestión en su momento de salida con el mundo en el que se vivía entonces. Realmente interesante y, como siempre, con el lenguaje coloquial y cercano al que nos tiene acostumbrados el autor cada vez que se comunica con los lectores. Es más, llegué a un punto mientras lo leía que leía el capítulo lo más deprisa posible solo para poder leer el texto de McCloud al final del mismo (en serio, me gustaría irme a tomar unas cañas con este hombre XD).

El comic gana en seriedad y humanidad cuando Zot pasa a ser un personaje secundario y la colección se centra en mostrar en cada número una historia protagonizada por los secundarios de la serie: Gente corriente con problemas corrientes y con bastante mundo interior.

¿Es el mejor comic del mundo? Para nada ¿Está muy bien dibujado? El dibujo cumple su cometido sin alardes ¿es una historia entretenida con unos personajes que hacen disfrutar la historia? Desde luego ¿Es algo que pienso que todo aquel que sienta curiosidad por el mundo del cómic debería leer, especialmente los que queremos dedicarnos a esto?

Dios! Rematadamente SI.

¡Disfrutad!

Un saludo...de Toni Kudo...

Capacidad de ilustración. In-Fighters y Out Fighters

Hola a todos!

Siento muchísimo no haber escrito ninguna entrada nueva durante tantas semanas. Pero el trabajo me está desbordando! No es que me gane ya la vida como dibujante ni mucho menos. Es más, aún no he visto un mísero duro (aunque para ser justos, no veo duros desde Enero de 2002 con esto del euro).

No. Lo que pasa es que el trabajo, dibujar cada día, las clases en Joso que terminaron hasta septiembre, dibujar superbarna, supervisar los proyectos de la gente que quiere intentar esto del cómic e intentar levantar la editorial y promocionarla consume mucho tiempo y me he tomado unas semanas para organizarme. Además reconozco que no he leído muchos comics ultimamente. O al menos ninguno sobre el que pudiera expresar algo nuevo o interesante que no hubiese hecho con anterioridad en otras entradas.

De lo que me gustaría hablar es algo sobre lo que he estado reflexionando últimamente. Con especial incapie en esta última semana: La capacidad de cada uno como dibujante o autor de cómics.

Llevo un año asistiendo de nuevo a la Joso y mi nivel de dibujo ha mejorado espectacularmente. Y sin embargo, sigo sin ver que sirva para nada. Me refiero a mi nivel y a mi mismo. No veo yo que mi nivel vaya a mejorar como debe hacerlo. Por mucho que esté mejorando, creo que jamás sucederá que alguien vea una página mía y la vea como una cosa asombrosa o espectacular como un Spiderman de McFarlane, Romita Jr. o Mark Bagley.

Página de Ultimate Spiderman de Mark Bagley

Eso son cosas que en un momento u otro te tienes que plantear. Porque estas cosas se ven. Los que van a ser cracks del dibujo (no necesariamente del cómic. Sino del dibujo), lo son y se les nota desde el primer momento a pesar de que tengan fallos de perspectiva o de anatomía propios y normales de novato. Pero se les ve que a la que les enseñen y les corrijan aquí o allá, o con la misma experiencia, su dibujo mejorará espectacularmente. Yo a mis 27 años y después de 10 años desde la primera vez que me enseñaron a dibujar (aunque no dispusiera del tiempo que tengo desde hace unos meses, para ser justos) tengo que aceptar que algo falla por mucho que haya mejorado este último año en el que volví a apuntarme. Tal vez es que soy impaciente o que, como dicen por ahí, soy excesivamente crítico con los resultados de mi trabajo. Yo no lo creo. Simplemente que me comparo con otra gente que dibuja.

Alto. Aqui no estamos hablando en ningún momento de dejar de dibujar. Ni siquiera de embarcarme en exclusiva en la creación de historias, de guiones y en la edición, que son tres facetas que también me apasionan. El dibujo es un vehículo que me encanta. Pero aunque es "solo" un vehículo para contar historias, si pudiera y se me diera a elegir entre explicar mis historias en una película o en un cómic, me seguiría decantando por el cómic. Puede que porque lo vea más personal. O porque me gusta el medio. Porque me relaje el sonido al pasar las páginas o por lo que sea. Pero elegiría el cómic. Además, este año le he cogido el gusto al tema de la ilustración. Lo de mimar una sola imagen y comunicar con ella es también una apasionante tarea.

Aún así, en lo que he estado reflexionando, es que siempre digo que el dibujo es sólo una de las herramientas que componen un cómic. Grosso modo tenemos el guión, el dibujo, la tinta y el color. Si exploramos un poco más, tenemos composición de páginas, tipos de plano, diseño de personajes...y si exploramos más todavía, tenemos argumentos, tramas, subtramas, historia personal de cada personaje, las relaciones entre personajes...y así hasta 100 herramientas invisibles más que sirven para comunicar la historia. Tu historia.

Tal vez no consiga ser nunca como esa gran artista que es Amanda Conner, en cuyos lápices me recomendaron que me fijara y que son una maravilla (y si calcas la estructura de los personajes que hay en sus páginas como hice yo un día para aprender, es para flipar) pero...sinceramente, mientras sigo aprendiendo e intentando mejorar, no me importaría ser un Scott McCloud o una Rumiko Takahashi.

Página de Rumiko Takahashi y, debajo, página de Scott McCloud. Ambas son buenas páginas y tienen su trabajo (especialmente la de McCloud con el coche, el decorado y eso) pero el nivel de realismo es diferente al del típico dibujante hot de comic americano (aunque el impacto visual sea igual de bueno) ¿entendéis lo que quiero decir?

No es un intento de desmerecerlos. Los dos mencionados son dos autores y artistas como la copa de un pino. Pero es cierto que sus dibujos están a un nivel más sencillo (que no simple) y a una escala distinta de los que dibujan como yo digo, y perdón por la expresión porqué no acaba de ser la correcta, bien de verdad.

Si te paras a mirar sus dibujos (e incluso el mismo McCloud lo reconoce en su libro "hacer comics") a veces representan las cosas con un garabato bien hecho. Los dos dibujan bien. Los dos saben de anatomía, de planos, etc. Los dos mejoran con el tiempo. Pero es otro nivel de mejora distinto. Creo que los que tengan experiencia y lleven años dibujando probablemente sabrán a lo que me refiero.

No pienso ponerme ninguna excusa para dejar de intentar mejorar. Pero reconozco que estoy empezando a aceptar mi limitación. ¿Es eso algo malo? Al contrario. Las últimas páginas que estoy dibujando estoy intentando tirar por un estilo más sencillo y representativo y son las que mejor me estan quedando. Mucho más que si intento lucirme cuando, en realidad, no tengo nada para que luzca.

Esto es como en el Boxeo. Hay varios tipos de boxeadores. Los más populares y los que se ganan más el favor del público en general son los In-Fighters. Luchadores que luchan cuerpo a cuerpo reduciendo la distancia y siendo mejores en los intercambios de golpes. Y luego están los Out-Fighters. Luchadores que carecen de esa capacidad física que les permita ganar en combates cuerpo a cuerpo y prefieran utilizar su juego de pies, mantener la distancia y pegar y salir siendo unos boxeadores excelentes.

No me desagrada en absoluto la idea de ser un out-fighter. Cada uno tenemos unas armas distintas. Los in-fighters como los Mark Bagley o McFarlane citados anteriormente tienen una capacidad enorme de almacenar información en la cabeza para hacer esas páginas llenas de super anatomías y espectacularidad (aunque McFarlane se pase a veces la anatomía por el forro, pero el resultado sigue siendo espectacular). Será porque yo aún no se, o por lo que sea. Pero siempre me da la sensación de que debe ser una tarea extremadamente agobiante (más en el cómic americano con el ritmo que llevan).

En cambio, viendo el dibujo de Scott McCloud, Rumiko Takahashi, o de Stan Sakai, otro enorme que va dentro del mismo saco, me hacen llegar una sensación de que se lo pasan en grande dibujando. No son dibujantes que puedas considerar anatomicamente perfectos, ni que hagan dibujos que te hagan caer de espaldas. Pero sus comics y sus páginas son geniales porque tienen algo que va más allá en el resto de las herramientas que se utilizan al crear cómic.

Tal vez sea porque es una idea de cómic que coincide más con la mía y aquellos que ya tienen el camino con el lápiz más rodado no estén de acuerdo conmigo porque lo que para mi es un infierno inalcanzable para ellos es la gloria del trabajo bien hecho y del ser capaces de hacerlo. No se si seré capaz algún día de hacer páginas espectaculares. O si debo "conformarme" con ser un out-fighter ya que por suerte tengo la capacidad de pensar y ordenar historias de forma bastante natural y hacérselas llegar al público como mejor sepa.

Pero pienso seguir mejorando todo lo que pueda hasta averiguarlo.

¡Disfrutad!

Un saludo...de Toni Kudo...

Ilustraciones

Hola a todos!

Hemos estado un par de semanas sin nueva entrada de Comic Scene. La verdad es que últimamente tengo un volumen de trabajo brutal. Si cobrase todas las horas que hago dibujando...ya llegará, ya.

La verdad es que estoy enfrascado en el proyecto de un cómic además de supervisar otros tres que, si todo va bien, serán publicados en octubre. De estos tres, soy guionista en dos de ellos. Así que, juntando eso, ir a trabajar, ir a clase y ponerme a dibujar para practicar y seguir mejorando...como que me queda poco tiempo para el blog.

Pero aún así, haré todo lo que pueda para ofreceros la entrada semanal.

Esta semana, con tal de cumplir dicho propósito os remito a mi blog de ilustración donde ayer mismo comenté cuatro de las ilustraciones que he estado haciendo durante este mes de mayo y para que veáis que es verdad que no paro XD

Nada más por esta semana

¡Disfrutad! ¡Que a mi no me da tiempo!

Un saludo...de Toni Kudo!

Web Comics: El medio

Encuentro que es un tema que últimamente esta levantando la suficiente controversia y que se ha vuelto lo suficientemente importante como para escribir sobre el.

Para acortar un poco el camino (mis artículos de por si ya son largos, así que con un tema que da tanto de sí, imaginad) aclaro que aquí con "web-comic" nos referiremos a "cómic hecho originariamente para su publicación en internet". Independientemente de si luego se recopila en papel o no. Sea peródico o eventual. Etc.

Hay varios temas por hablar en esto de los web comics ¿Son prácticos? ¿Pueden sobreponerse al cómic en papel? ¿pueden convivir ambos medios? ¿Los web-comics son el futuro de los cómics y acabaran por sustituir al cómic en papel? ¿sirven como negocio? Todo ello son cuestiones importantes. Algunas con respuesta más fácil que otras.

Una de las finalidades que tiene normalmente un web comic, es la de mostrar el trabajo del autor de una forma completamente gratuita. Le sirve tanto para ver si su obra (o parte de esta) funciona como para ir ganando seguidores. Además de darse un motivo para dibujar si aún no está publicando en ningún sitio.

Cada web-comic tiene una finalidad distinta. Ya que algunos son por puro entretenimiento del autor, pero también pueden conseguir el efecto práctico (sobretodo si se es constante) de ganar una buena legión de fans que simpaticen con tu obra, contigo y con tus otros proyectos, de tenerlos. Ese es el caso de mi amigo Andres Palomino: Guionista, monologuista y autor de un bastante conocido web-comic llamado Las Crónicas PSN

Mientras duraba el salón del cómic de Barcelona Andrés y yo comentamos un poco este tema (bueno, y fuera del salón a veces también surge). Somos de opiniones algo distintas pero que encuentran algo en común. Según Andrés, el camino a seguir para el futuro del cómic en España es el de los webcomics por su escaso coste para autor y lector. Yo (lo reconozco) soy más clásico y aunque acepto la practicabilidad de este formato, que me gusta, tiendo a pensar más en el cómic no para un medio para ganarme un extra, sino algo de lo que quiero vivir a corto plazo. Al menos eso pienso como autor-edito. Como lector pienso también en que me gusta leer mis cómic sentado en un sofá, poniéndolos sobre la mesa mientras ceno o tumbado en la cama. Hoy en día, con un Ipad o similar, es posible. Pero (de nuevo como lector) no me gusta la idea de que tenga que estar todo el día con una pantalla en los ojos también para leer cómics.

De nuevo como editor, pienso que un euro (un precio baratísimo) que te puede costar un web-comic el lector lo acabará viendo caro algún día aunque ahora lo vea barato. Porque las personas somos así.

Pienso que los webcomics son un buen camino a seguir. Algo que tiene su mercado y sus utilidades. No digo que es algo que "tiene su público" porque considero que el público es el mismo: gente a la que le gusta leer cómics. Aunque si que es verdad que hay un tipo de lector que le atrae especialmente el tema de leer webcomics ya sea porque en su mayoría son de humor o tiras cómicas o incluso por sentirse seguidor y participe de la evolución de un autor al que encuentra más cercano en parte porque sabe que no vive de esto ("me gusta apoyar algo a lo que el público general no apoya. Cuando el público general lo apoye me aburriré y no lo apoyaré más, aunque alardearé de haberlo apoyado cuando el público general no lo hacía" ya sabéis). En fin, que es algo a lo que los lectores gusta.

Pero no puedo evitar sentir que no deja de ser una "medida de emergencia" para un medio que en España tiene ventas ridículas (me refiero a los cómics en papel). Una medida de emergencia para un medio en el que, si se vendiera 4 veces más, seguirían siendo números modestos pero que permitirían a los autores cobrar algo digno que les permitiera no necesitar otro trabajo, o tener otro trabajo de pocas horas que les permitiera sacar 2 o 3 albumes al año sin renunciar a dormir.

Aunque esto es otro tema que tal vez habría que ampliarlo en otro artículo, no está de mas reseñar que esta medida de emergencia para publicar (los webcomics) no deja de ser necesaria por el mero hecho de que vivimos en un país en el que a la gente no le importa pagar precios abusivos como borregos en cubatas dejándose 50 o 100 euros cada vez que salen, pero que un cómic de 50 páginas a 3 euros en grapa, o un album de tapa dura de 48 páginas a 10 euros o una novela gráfica de 100 páginas a 12 euros, es caro.

La verdad es que es tema de reflexión y que requeriría de cierta autocrítica que se critique tanto a los editores (que son los que se gastan el dinero en imprimir la obra y los que invierten no poco tiempo en la supervisión de la misma para intentar que haya todas las ventas posibles para pagarle al autor) y no se critique nada que haya tan poca gente que pague precios razonables como los hay por leer. Pero hoy no estamos aquí para hablar de esto.

Volviendo a los webcomics e intentando responder un poco a las preguntas planteadas al principio. Hay una cuestión muy importante ¿sirven como negocio?

Yo aún no conozco a nadie que se gane la vida haciendo web-comics o que haya ganado dinero con ello (aunque también es verdad que en España conozco a poca gente que se gane la vida vendiendo comics en papel, seamos justos) y, si un caso, algunos de los que han ganado algo con esto ha sido después de imprimirlos en papel.

Hay que reconocer, en primer lugar, la capacidad indiscutible de los web comics para fidelizar gente que después te comprarán en papel a pesar de que ya saben el contenido del cómic por haberlo leído en la red. Ya que los cómics que recopilan web comics que se han vendido bien (Pardillos, por ejemplo) no hubieran vendido tanto si primero no hubiesen pasado por la red para enganchar a su público (bueno, en el caso de Pardillos cuenta también la gracia que les hace a los fieles de la serie Lost, pero una cosa no quita la otra). Y hay que reconocer lo practico de su bajo coste y su enorme difusión y promoción.

Como negocio, para ser completamente justos, hay que decir que no hay nadie que haya apostado fuerte por esto (al menos por ahora, y que yo sepa) y que hay una regla muy sencilla que es que si un web comic lo pones a un euro, y se lo descargan 5.000 personas, son 5.000 euros. Calculo fácil y práctico (y siendo justos de nuevo, si se vendieran siempre muchos más cómics en papel, la típica novela gráfica a 15 euros costaría 7 euros o 9).

En definitiva, opino que los web comics son muy prácticos, una buena manera de acercarse más al lector (por aquello de que la mayoría aceptan comentarios y eso), una buena manera de darse a conocer y de fidelizar gente, una buena manera de promocionarse para obtener más ventas (digitales o no) y que, desde luego, tienen su oportunidad y sus armas para hacerse un hueco ya no entre los lectores, sino en el mercado.

Si acabarán sustitutendo al papel o si ambos convivirán y los webcomics servirán para que la gente lea más cómic en papel creando una sinergia entre dos medios es algo que solo el tiempo dirá.

Y hasta aquí mi opinión que es tan buena/mala como la de cualquiera tratando de ser lo más imparcial posible con ambos medios (otra cosa es que lo consiga o no. Vosotros diréis)

Pues nada más a parte de recordaros como siempre que os animéis a haceros seguidores del blog dándole a "me gusta" en la página de facebook (recordad que si sois seguidores desde antes pero no os lo habéis hecho de la página de facebook ya no sale reflejado!), que lo recomendéis a la gente que creeis que le puede gustar y, desde luego, que os animéis a comentar y compartir vuestra opinión como intento hacer ya desde aquí.

¡Hasta la semana que viene! ¡Disfrutad!

Un saludo...de Toni Kudo!

Chip

Lo siento, soy consciente que no he escrito ninguna entrada desde el salón del cómic de Barcelona.

Si, ya he acabado el número de superbarna que saqué para el salón (y que, por cierto, ya podéis encontrar en tiendas. Si os metéis en el Facebook de Letrablanka ahí tenéis los números de ISBN por si queréis pedirlo con exactitud en vuestra librería más cercana), pero estoy superliado con trabajos de ilustración en Escola Joso (y la verdad es que estoy mejorando) y no acabo de encontrar el momento para ponerme a escribir, y, cuando me pongo, no se que escribir porque tengo la cabeza supercentrada en el dibujo y como que me cuesta cambiar de chip.

Este es el último dibujo que he hecho en clase de ilustración. Aunque aún le encuentro cosas por mejorar, la verdad es que estoy algo satisfecho de como me ha quedado ¡Hay que seguir!

Y es que a veces es eso. No es sólo dedicarle horas. No es solo estudiar la anatomía del cuerpo. Y todos esos etcéteras. A veces es cuestión de cambiar el chip...o de mantenerlo.

Siempre digo que si te pones a dibujar, que con 3 horas no haces nada, que no hay suficiente tiempo. No es del todo verdad. Pero a lo que me refiero es que en esas 3 horas no hay tiempo para cambiar el chip de lo que estuvieras haciendo a dibujar, plantear el dibujo, hacer el boceto y empezar los acabados.

A veces si que un día uno se sienta en la mesa de dibujo y ya tiene el chip puesto y empieza el dibujo a saco y le saca partido a las 3 horas (porque yo las 3 horas no las cuento desde que empiezas a dibujar, sino desde que te sientas en la silla hasta que eres capaz de empezar a dibujar. Pasa más tiempo del que la gente se cree) pero no es lo más habitual. Es más, hay veces que te sientas, que todavía no tienes la cabeza centrada o no te ves con fuerzas, pero que igualmente empiezas a dibujar y a trazar líneas y...como que no sirve de nada.

O estás para dibujar o no lo estás (es decir, o tienes el chip puesto, o no lo tienes) y en algo tan complicado como lo es dibujar, como que tienes que ser capaz de estar centrado.

Pues para escribir igual. Al tener el chip puesto en el dibujo, las veces que me he puesto a intentar escribir la entrada, pues no era capaz.

Aunque también hay veces que pasa como ahora. Me he metido a escribir una entrada de un par de líneas como disculpa por no haber escrito en este par de semanas, y se me ha cambiado el chip de manera que aquí tenéis vuestra entrada de esta semana hablando sobre lo importante que es para un dibujante tener la cabeza centrada en el dibujo.

Hasta la semana que viene! Disfrutad!

Un saludo...de Toni Kudo...

Crónica del stand de Autoeditores: Jueves

En medida de lo posible, durante este salón iré explicando en el blog cada día como ha ido.

El primer día ha sido el primer típico día de salón. Es decir, poca gente durante casi todo el día excepto el último par de horas en la que se acerca una masa de gente que no consigue esperarse al fin de semana.

Muy poco de vender y más de hacer contactos y de estabilizarnos nosotros mismos en el stand de autoeditores.

El viernes contaremos ya con AZA, y estando todos, ya podremos acabar de llenar el mostrador del stand y la pared con los posters y elementos decorativos de unos y otros.

A parte de eso, la gente coge con gracia lo de que les dibujes convertidos en personaje de cómic (hacemos dibujos a 4 euros) y para las referencias de los trajes, mi htc y el iphone de Blip van que ni pintados.

A parte de eso, pues muchos encuentros con gente que vas viendo de salón en salón. Como siempre digo, el primer día del salón del cómic es el día de los standeros. Es el día en el que todos aprovechamos para darnos una pequeña vuelta y para visitar a esa gente que normalmente no tienes a mano.

Hoy viernes, espero que empiece la batalla y no paremos de vender ¡Hay que arrasar!

¡Disfrutad!

Un saludo...de Toni Kudo...